Русское искусство XX века
Русское искусство… Многие люди, услышав это слово, сразу вспоминают великолепные пейзажи Левитана, бесконечные дали Айвазовского, портреты Репина. Да, конечно, это неотъемлемая часть культуры России, ведь смотря на наследие искусства, хранящегося во многих великих музеях, мы можем сразу предугадать настроение, царившие в обществе в то время, а так же проблемы, волновавшие людей тех эпох.
Конечно, во всем мире признано Русское академическое творчество, ведь поистине оно одно из величайших в мире, ведь чего только стоят прекрасные мелодии из «Щелкунчика» Чайковского или великая «Седьмая симфония» Шостаковича, что может быть спокойней пейзажей Шишкина и Дубовского, а стихи Пушкина — все это олицетворение великого и могучего русского искусства.
Но для многих Русское искусство заканчивается на Айвазовском, все что дальше, к сожалению, впечатляет куда меньше людей, а ведь именно Русский авангард помогает человеку постичь истину мироздания и перейти на новый уровень не только изучения живописи, но и её создания.
Первая Мировая война разделила людей на два лагеря, лагерь — прошлого — уходящего и будущего — приходящего. Время романтизма закончилось, началось время великих и радикальных экспериментов и опытов во всем. Начался век механизации всей жизни, век тоталитарных режимов и глобальных катастроф, составивших всю историю не только мира, но и Россию. Вместе с историей развивалось и искусство, приобретая все больше политический окрас, включая в себя все события не только культурной, но и политической жизни.
Время русского авангарда — это время больших изменений и «опытов для будущего». Сейчас признано считать Петербург — культурной столицей России, а Москву — политической, в начале двадцатого век ситуация обстояла довольно-таки непривычным для нас образом. Спокойный и мистический Петербург Достоевского, с жёлтыми, манящими фонарями и великой красотой улиц стал эпицентром всех важнейших событий начала двадцатого века для нашей страны.
В 1909 году в Петербурге было зарегистрировано самое первое общество современных художников в России под названием «Союз молодёжи». Это был действительно некий шаг протеста, начало крика и устремления в будущее. В1909 году Россия только-только отходит от 1905 года, к этому времени в Петербурге искусство дошло до своего критического и невозможного уровня — в художественных школах и академиях учили только академическому искусству. Это вызывало недовольство у многих молодых творцов, которые устали из года в год, из века в век повторять великолепные мускулы Давида, прекрасные очертания тел Мадонн, описывать пейзажи, все это для них перестало нести какую-либо ценность. Новые художники не собирались подавляться академизму и устремляли своё творчество далеко в будущее, к новому искусству.
«Союз молодёжи» можно считать неясной точкой начала русского авангарда, несмотря на то, что это было современное объединение, стремившееся к новым принципам и к новому взгляду на мир, все равно на выставках (например «Треугольник») можно было заметить некую традицию, связь с творческим объединение и журналом «Мир искусства». Здесь не было радикальных экспериментов и явного протеста против мира прошлого (проявлялась даже та таинственность и мистицизм, так свойственный типичному петербургскому стилю), но все же это была первая попытка оторваться от устаревших и застоявшихся традиций. Арт-группа (или творческое объединение) просуществовало относительно недолго, начиная с 1910 (первая выставка) и заканчивая 1914 (последней выставкой). Несмотря на некий аристократизм и отсутствие резких перемен, в группу входило немало выдающихся и важных личностей не только для самой арт-группы, но и для всего авангарда. Например, Николай Кульбин (1868–1917) — художник, теоретик, один из основателей «Союза молодёжи», был художником-любителем, но при этом не боялся экспериментировать и, пожалуй, он был главным экспериментатором в объединении, был старше своих соратников, а так же любил создавать вокруг себя различные ситуации, хотя вместе с ним работал и такой выдающийся художник, как Евгений Матюшин. Следующим шагом, отдаляющим настоящее от прошлого и приближающим к будущему, было создание огромного количества новых течений.
1912 год — год футуристов. Русские представители данного течения, а именно: A. Крученых, Д. Бурлюк, B. Маяковский, Н. Бурлюк, Б. Лившиц, издали один из важнейших манифестов искусства авангарда — «Пощёчина общественному вкусу», в которой они отказывались от прошлого и «выбрасывали за борт» классиков русской литературы: Толстого, Достоевского. В некоторой степени футуристы и являются олицетворения революционного романтизма и воодушевленности, царившей в Росси с 1914 по 1920-е годы. Они были вдохновлены атмосферой революции, чувствовали перемены, и тем самым сами менялись, стремились в будущее. Главной идеей футуристов являлось «Будущее — сейчас» (В. В. Маяковский), они не могли опираться ни на что кроме будущего, в этом они видели смысл, там они искали и черпали вдохновение, будущим они питались, и требовали его во всем (т. е. развития и совершенствования). На волне революционных возгласов в литературе, живопись тоже не отставала. С 1915 по 1916 в Петербурге проходила популярнейшая выставка "0,10" (ноль — десять), повлиявшая на дальнейший путь авангарда в России, а так же подарившая миру новое течение в искусстве — супрематизм. На выставке был представлен триптих, состоящий из известного каждому ребёнку и взрослому «Черного квадрата», вызывающего массовые недовольства и сейчас, «Черного креста», а так же «Черного круга».
Рис. 1. «Черный квадрат». К. Малевич 1915 г.
Именно «ноль-десять» является явной точкой отрыва от прошло, полного устремления к перерождению и разрыву мира будущего с миром прошлым. Черный квадрат и является этим нуль-пунктом, от которого теперь отталкивался каждый художник. Сам Малевич говорил, что он перерождается в нуль-формы и отрывается от массовой и бытоописывающей культуры. Основной идеей супрематизма (от лат. suprema- величие) было доминирование цвета и формы над всеми остальными элементами живописи. Супрематисты призвали людей оторваться от быта и прислушаться не к сознанию, а подсознанию, ибо в нем и лежит истина искусства. По своей сути супрематизм являлся радикальным течением, утверждавшим неверность и неточность искусства академического. Важнейшим документом — манифестом супрематистов является, написанная Малевичем статья «От футуризма и кубизма к супрематизму», в которой он описывал своё перерождение от форм кубофутуризма и возрождение форме супрематизма — истинного искусства.
Супрематизм Малевича повлиял на многих других художников, например на Эль Лисицкого (Лазарь Маркович Лисицкий), который не был пристрастным обожателем супрематизма, но видел в формат цвете главную задачу живописи, создавал великолепные супрематические композиции, а так же один из первых перенёс форму супрематическую из плоскости в пространство, то есть были попытки применить супрематизм уже не только к живописи, но и в архитектуре.
Данное течение породило массу новых, одним из которых является конструктивизм — сугубо советское явление (было основано, а так же теоретически осмыслено именно в советском союзе): «Впервые не из Франции, а из России прилетело новое слово искусства — конструктивизм…». Конструктивизм даёт живописи уже новый окрас, не только политический (поддержка революции и не восхваление во многих конструктивистских работах). Теперь искусство перестало быть чем-то эстетическим, оно должно работать на человека, облегчать ему жизнь всякими способами. Позднее многие конструктивисты провозглашали истинными цели и утверждения утилитарного, производственного искусства.
Так, один из теоретиков «производственного искусства» Борис Арватов писал, что «…будут не изображать красивое тело, а воспитывать настоящего живого гармоничного человека; не рисовать лес, а выращивать парки и сады; не украшать стены картинами, а окрашивать эти стены…»
Одними из важнейших деятелей конструктивизма являются муж и жена Александр Родченко и Варвара Степанова.
Рис. 2
Первый известен своими великолепными плакатами, графикой, созданием конструктивистского шрифта (шрифт Родченко). Александр Михайлович преподавал во ВХУТЕМАСе (Высшие Художественно-Технические Мастерские), был профессором, учил молодые умы работать с конструкцией форм.
Хоть на Родченко и оказали большое влияние работы Малевича, во многом он преобразил супрематизм в конструктивизм, бросив вызов искусству первого. Своей беспредметной композицией «Чёрное на черном» он дал понять человечеству, что Малевич не точно работал с цветом, он не придумывал нового, а использовал базовые цвета. Для Родченко немаловажно было новаторство, а после и эстетический критерий. Родченко был искусным творцом, понимавшем суть в техническом и художественных началах и сумевшим их объединить в единое целое. Работая на советскую систему, Родченко в 1925 году украшал советский павильон на выставке современного искусства в Париже. Павильон назывался «Рабочий клуб», в нем-то Родченко и удалось показать всю сущность конструктивизма, люди — творцы работают на производство, а производство в свою очередь на людей.
Кроме этого Родченко во многом поменял взгляд людей на фотоискусство, дал понять миру, что можно смотреть на мир не только фронтально, но и под различными углами. Целые серии фотографий Родченко показывают нам, как он стремился воплотить идеи конструктивизма в фотоискусстве. Самыми значимыми работами в фотографии Родченко являются снимки парадов и пионеров, во-первых, показывающие некоторый культ спорта в советском союзе и, во-вторых, показывая нам все больше и больше различных ракурсов.
Александр Родченко известен своими совместными работами с Маяковским (иллюстрации к поэмам «Про это», «Сергею Есенину», «Разговор с Финнинспектором» — первые опыты с фотоколлажем), с Дзигой Вертовым (титры для большинства фильмов), а так же с Сергеем Эйзенштейном (плакат к фильму «Броненосец Потёмкин»).
Не только живопись, но и литература олицетворяют Русский авангард и его соприкосновенность с Революцией.
Кино было не менее важной отраслью, одними из выдающихся режиссёров были Эйзенштейн и Вертов. Первый был гением постановок и съемки, чего стоят одни кадры «Броненосца Потёмкина», последний же ввёл в производство репортерское кино (фильм «Кино-глаз», «Шестая часть суши”), внедрил съемку с разных углов, а так же пользовался фотомонтажом в некоторых кадрах, особенно это заметно в фильме «Симфония Донбасса». Практически все фильмы Вертова показывали жизнь революционной России, начиная от Петербурга, заканчивая деревнями.
Русский авангард — это не просто период в жизни культуры Российского государства, это образ жизни целого поколения людей, давших этому миру прекрасные произведение и ещё массу нераскрытых вопросов. Прошло сто лет с выставки "0,10", революции, а атмосфера авангарда до сих пор живёт в обществе и в культуре. Авангард оказывал влияние на огромное количество поколений творцов — поэты и художники «оттепели» — поэт Евгений Евтушенко и скульптор Эрнст Неизвестный, так же на Петербургских и Московских художников 80х годов — Тимур Новиков, Эрик Булатов, Сергей Бугаев — Африка. Но даже сейчас есть огромное количество примеров влияния авангарда на культуру, особенно это сейчас заметно в индустрии моды, французский бренд Vetements, основанный грузинским дизайнером Демной Гвасалией и бренд Balenciaga под его же руководством, вдохновляется, судя по невероятным конструктивным вещам не только культурного постсоветского пространства, но и многими явлениями авангарда, в частности супрематизма и конструктивизма.
Из этого можно заключить, что авангард — это немаловажная часть нашей культуры, которую каждый из нас должен не только ценить, но и стремиться познать. Эпоха авангарда это наше прошлое, наше настоящее и наше будущее.
Литература:
- Маяковский В. В, Родченко А. М. Классика конструктивизма. Москва. 2004. Изд. 1-е.
- Статья Конструктивизм// Википедия. URL: https://ru.wikipedia.org (дата обращения: 22.12.2016).
- Статья Супрематмзм// Википедия. URL: https://ru.wikipedia.org (дата обращения: 22.12.2016).
