Статья посвящена постановке Notre Dame de Paris. Хореографический спектакль по одноимённому роману Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери» (режиссер-постановщик — заслуженная артистка Украины Нина Маршева; композитор — Виктор Рыбаков; костюмы — Леонид Олейниченко; либретто — заслуженный деятель искусств Республики Крым Елена Ольховская), осуществленной в 2020 году Севастопольским Академическим театром танца имени В. А. Елизарова. В статье впервые описывается хореографическая постановка, которая построена исключительно на бальной хореографии.
Главные действующие лица и исполнители:
Эсмеральда, цыганка — заслуженная артистка Украины Наталья Иванова
Квазимодо, горбун-звонарь — артист Данил Антонов
Феб де Шатопер, капитан королевских стрелков — заслуженный артист Республики Крым Филипп Елизаров
Пьер Гренгуар, бедный поэт — заслуженный артист города Севастополя Дмитрий Нестеров
Клод Фролло, архидьякон собора — заслуженный артист Республики Крым Артем Герус
Флер де Лис, невеста Феба — заслуженная артистка города Севастополя Ксения Иванова
Клопен Трульфу, предводитель нищих — заслуженный артист города Севастополя Александр Пичугин
Гидула, мать Эсмеральды — заслуженная артистка Республики Крым Ольга Макарова
В 2020 году Севастопольским академическим театром танца имени Вадима Альбертовича Елизарова представлен новый хореографический спектакль — Notre Dame de Paris по роману Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери». И, прежде чем перейти к анализу самой постановки, необходимо немного сказать о театре, так как история именно этого спектакля тесно связана с творческой идеей и становлением самого театра.
В России и мире немало Театров Танца, выстраивающих своё общение со зрителем исключительно только на хореографии и пластике. Но севастопольский театр взял за основу своего творческого языка лексику бального танца — и это был, безусловно, уникальный и дерзкий эксперимент, стремление доказать, что с помощью средств «паркетной хореографии» можно и нужно рассказывать серьёзные, глубокие и даже философские истории.
В 2020 году театру имени Елизарова исполнилось двадцать лет — коллектив достаточно молод. Театр танца вырос из танцевального ансамбля «Виктория», созданного в 1990-м году народным артистом Украины Вадимом Альбертовичем Елизаровым и заслуженной артисткой Украины Ниной Маршевой (чемпионы Советского Союза по бальной хореографии). Они стал первооткрывателями в данном виде, создав первый в мире театр, построенный исключительно на бальной хореографии.
Бальный танец — многогранный вид искусства, исключительно органично сочетающий в себе высокую динамику исполнения, красоту линий и позиций, мягкость пластики движения танцоров. Репутация неотъемлемой составляющей культуры и этикета высшего света немного «обеднила» бальный танец — долгое время в нём видели развлечение и считали неспособным выразить сложную драматургию и изложить цельную историю. Сегодня происходит возрождение, развитие и преобразование бального танца. Основная особенность этого вида танцевального искусства — это парность, подразумевающая постоянный диалог мужчины и женщины, вечную и безграничную историю их взаимоотношений.
«Любовь — это великое дело. Именно любовь движет все: науку, искусство!» — считал основатель театра Вадим Елизаров. Поэтому неслучайно, что первым хореографическим спектаклем новорождённого театра стала постановка Notre Dame de Paris (2002 г., режиссёр и хореограф — Вадим Елизаров), исследующая тему любви во всех её проявлениях: страсть, нежность, забота, жертвенность. Любовь матери к своему ребёнку, мужчины и женщины, брата и сестры, любовь к искусству и любовь к своему делу. В. А. Елизаров верил: «Только с помощью искусства можно приподняться над всеми земными делами, познать силу и красоту человеческой души. Я служу искусству!».
Идеей спектакля в первой редакции стало утверждение о том, что любовь — всегда созидательная сила. И если чувства несут разрушение и самоуничтожение, то к любви это отношения не имеет.
С 2002 г. по 2019 г. в редакцию спектакля не вносилось никаких изменений. Но время переставляло приоритеты, жизнь шла вперёд и требовала расширить исследование темы, изменить его оптику. Только в 2020 году на сцене Театра танца родился абсолютно новый Notre Dame de Paris. Изменения коснулись всего: музыкального оформления (в спектакле используется оригинальная русскоязычная версия), хореографической лексики, костюмов, декораций. Темой спектакля по-прежнему осталось исследование любви и её проявлений. Но в идее принципиально была подчёркнута мысль о спасительной силе любви, которая преображает человека, о категорическом противопоставлении любви физическому и нравственному насилию.
Основная цель любого хореографического спектакля — выражение средствами хореографии содержания пьесы, ее идеи, взаимоотношения действующих лиц. Этому должна быть подчинена вся деятельность творцов и исполнителей балета: автора либретто, балетмейстера, композитора, художника, артистов-исполнителей — как солистов, так и кордебалета. Только при гармоническом сочетании всех частей, каждая из которых убедительно, образно и технически совершенно помогает воплотить характеры героев, верно воспроизвести обстановку, в которой происходит действие, спектакль обретает свою художественную целостность. В таком случае возникает единство стиля, гармоничное слияние содержания и формы, убедительность художественного приема, творческого метода создания и исполнения хореографического спектакля.
Для определения сверхзадачи постановки обратимся к автору самого романа. Без поэзии нет танца. В хореографическом спектакле, созданном на основе сюжета романа В. Гюго «Собор Парижской Богоматери», он как первоисточник определит и форму их воплощения в музыке и хореографии.
Передача на сцене чувств и мыслей писателя, его мечтаний, мук и радостей является главной задачей спектакля и балетмейстера.
Виктор Гюго стремился, чтобы произведение сочетало в себе и роман, и эпопею, и драму; было и поэтичным, и живописным, и трагичным. Смысл романа заключался в частом несовпадении внешнего облика человека с его внутренним духовным миром, способностью к сильному чувству и самопожертвованию.
Режиссер-постановщик и композитор Театра танца смогли убедительно сформулировать сверхзадачу, исходя из замысла писателя. Услышать мысли, чувства автора, сделать всё, чтобы музыка и хореография не конфронтировали, не противостояли друг другу. Танец и пантомима были правильно выражены в содержании музыки с самой первой сцены.
Первая сцена в спектакле — появление Гренгуара (бедного поэта). Он знакомит нас с Дворцом чудес. В центральном зале Дворца правосудия происходит первое действие. Автор либретто смог построить драматургию первой сцены так, чтобы действие для зрителей протекало в настоящем времени, создавало эффект присутствия в XV веке в непривычном варварском Париже. Таинственный готический Собор Парижской Богоматери. «В закоулках одной из башен великого собора чья-то давно истлевшая рука начертала по-гречески слово «рок». Затем исчезло и само слово. Но из него родилась книга о цыганке, горбуне и священнике».
Руководствуясь правилами создания хореографического спектакля, можно сделать следующие выводы.
Первое звено построения замысла спектакля — воплощение его темы и идеи в либретто, составленном по законам драматургии и заключающем в себе изложение сюжета, то есть ряда событий происшедших в определенную эпоху, в определенных условиях, с обозначением и описанием места, времени и характера действия, с перечислением и развернутой характеристикой всех действующих лиц. Это сложный творческий процесс, который в то же время находится в органической взаимосвязи со всеми остальными.
Второе — это музыкально-хореографическая партитура, которая создавалась балетмейстером в неразрывном сотрудничестве с композитором. В Театре танца именно этот этап работы над новой версией стал основным, что и подарило постановке новую жизнь. Было создано музыкальное оформление для спектакля «Notre Dame de Paris», русская аранжировка полюбившихся песен композитора Riccardo Cocciante. Как мне кажется, главной целью было сделать так, чтобы хорошо известная история, с одной стороны, зазвучала абсолютно по-иному, благодаря новому уникальному, музыкальному оформлению, а с другой- не утратила ту атмосферу, которую смог создать в своем бессмертном произведении великий Виктор Гюго. Необходимо отметить мощь и силу музыкальное оформления спектакля. Композитору вполне удалось сохранить стиль автора и идею романа. Русскоязычная версия помогла сделать смысловое наполнение каждого музыкального произведения максимально доступным для понимания.
Особую атмосферу, проводником которой становится музыка, поддерживает и уникальная хореографическая партитура, созданная балетмейстером. Хореография и музыка действительно стали одним целым. Вместе они переносят зрителей в мир, созданный писателем. Танцевальная лексика усилилась за счет внедрения новых видов танца. Труппа тетра открывает для себя новые возможности танцевального искусства: виртуозно владеет не только обширными средствами бальной хореографии, но и успешно осваивает танец модерн, джаз-танец, contemporary. Грамотное и умелое смешение танцевальных стилей рождают убедительную и живописную картину разнообразного, противоречивого средневекового Парижа, наделяют каждого участника кордебалета своим характером и своей историей, за которой невероятно интересно следить.
Одна из самых ярких сцен — это «Долина любви». Феб де Шатопер назначает Эсмеральде свидание в царстве нищих — во Дворе чудес. Партитура этой сцены продумано до мелочей. Музыкальное оформление в сочетании с насыщенной хореографической лексикой (бальной, современной хореографией) рождают живой диалог, в котором каждый вздох, каждая танцевальная фраза наполнена глубоким смыслом и содержанием. Настоящее объяснение в любви, сотканное из «слов» тела, абсолютно понятно каждому зрителю. Зримо изображена и всепоглощающая страсть офицера к цыганке, и мотивы его поступка, и робкое, чистое чувство юной девушки, её первая любовь.
На протяжении всего спектакля либретто, хореографическая партитура и композиция каждой сцены развивают драматургию истории, формируют её завязку, ведут к кульминации и драматичной развязке.
Танец должен всегда служить средством общения, передачи идей и чувств, средством воплощения характеров, сложных человеческих взаимоотношений, масштабных замыслов. Только за таким танцем будущее. Поэтому актер хореографического театра — прежде всего, актер, а затем танцовщик. Именно это убедительно продемонстрировала труппа Театра танца в спектакле Notre Dame de Paris.
Театр танцевальный — театр музыкальный. Но без сценографа, художника-декоратора и художника по костюмам картина спектакля не сложилась бы.
Световая композиция той или иной картины, ее оформление, костюмы действующих лиц, общая цветовая гамма- все должно быть тесно связано не только с действием спектакля, но и с его музыкальной драматургией.
Действие спектакля происходит в XV веке, в эпоху «Пламенеющей Готики». Следует обратиться к этимологии этого слова, произошедшего от итальянского «непривычный, варварский». Стиль архитектурных сооружений можно кратко охарактеризовать как «устрашающе величественный». Собор Парижской Богоматери — один из совершенных и законченных представителей готического стиля в архитектуре.
Декорации спектакля воспроизводят собор, переносят зрителей под его своды. Арки, крепления, лестницы. Устрашающие статуи знаменитых химер. Такой конструктивный элемент как арка — основной элемент декораций спектакля, символизирует разрыв круговорота времени, ведь в Средневековье как никогда остро люди ощущали близость апокалипсиса. Если взглянуть выше, можно рассмотреть «чудовищ» на специальных креплениях, своеобразных стенах собора. Наблюдают за всем происходящим Горгульи и Химеры. Мало кто знает, что «чудовища» тут только Химеры: эти уродливые существа с телом обезьяны и крыльями летучих мышей, козлиными рогами, человеческими головами олицетворяют грехи и силы зла. Горгульи, наоборот, — защита собора. Служат, охраняют храм от повреждений, разрушений. Без зла не может быть добра — как бы звучит рефреном мысль в этом элементе сценографии.
Готический стиль присутствует не только в декорациях, но и воплощён в костюмах артистов.
Костюм в театре — это не просто одежда определенной эпохи и стиля. Это одно из важнейших выразительных средств хореографического спектакля, назначение которого- помочь артисту как можно лучше донести в танце образ. Поэтому не только цвет, но и покрой тут имеет большое значение. Костюм в танце должен «жить» и «играть», подчеркивать и дополнять те линии жеста, позы и движения, которыми артист выражает свой образ.
Образы, созданные художником по костюмам в Театре танца, очень своеобразны. Отчетливо читается и средневековье, и современность, и даже будущее. Художник словно запутывает зрителя во временных отрезках и эпохах, намеренно заостряет внимание на новых видах ткани, которые появились только сейчас. Ведь сама тема любви, взаимоотношений остается вечной и в тенях готики!
Большая любовь к делу, знание своей профессии, живое воображение и умение чутко прислушиваться к каждому деловому предложению сделали спектакль полноценным. Балетмейстер, композитор, художник- декоратор и художник по костюмам сработали, как слаженный механизм, и премьера состоялась.
Академический Театр Танца имени Вадима Альбертовича Елизарова представил премьеру спектакля Notre Dame de Paris в 2020 году уже без участия своего мастера — В. А. Елизаров скоропостижно ушел из жизни в 2017 году. В августе 2017 года Правительство города Севастополя присвоило Государственному автономному учреждению культуры «Севастопольский академический театр танца» имя Вадима Елизарова, признавая исключительный вклад создателя уникального театра в культуры и искусство региона и страны.
Notre Dame de Paris по роману В. Гюго стал воплощением всех традиций, которые были заложены Вадимом Елизаровым и получили такое яркое, удивительное и живое развитие. Это и демонстрация огромного опыта, который севастопольский Театр танца накопил за двадцать лет самоотверженного труда. Это и результат исканий и творческого роста, который движет и наполняет в этом театре каждый день. И это, безусловно, смелое экспериментаторство, которое осуществляется на крепкой профессиональной базе с тонким, чутким вкусом и знанием дела. Поэтому именно в Notre Dame de Paris как в идеально отточенном бриллианте отразиться вся история Театра танца и его устремления и перспективы.
