Ведущей задачей дизайна интерьера как вида проектировочной деятельности является формирование эстетических и функциональных качеств окружающей человека предметной среды. В настоящее время в дизайне аудиторий художественного профиля, заинтересованы многие учебные учреждения, обучающие основам творческой деятельности. Организация пространства учебных аудиторий должна соответствовать созданию целостного по предназначению и форме комплекса, отвечающего всем требованиям учебного процесса и способствующего развитию творческих способностей у будущих специалистов [6, с. 112].
История обустройства рабочего пространства мастеров началась в еще рабовладельческую эпоху в связи с бурным строительством городов, общественных зданий, дворцов и храмов. Это рождало необходимость большого количества мастеров и художников: архитекторов-строителей, живописцев, скульпторов, художников-прикладников. Появилась потребность в специальных школах, где готовились бы эти кадры. В Эпоху Древнего Египта складываются первые специальные художественные школы. В этих школах методы и система обучения были едиными на основе единых канонов каноны, которые строго соблюдались. В школы принимались только избранные и овладение профессией в Древнем Египте, было родовое. По законам Древнего Египта, сын обязан был овладеть профессией своего отца. Отец, работая на строительстве какого-нибудь храма или дворца, водил своего сына в ту школу, которая была организована при этом строительстве.
Ведущей школой Древнего царства была мемфисская придворная школа архитекторов в скульпторов. В то время эта школа являлась художественным центром, который собирал вокруг себя другие школы. Обучение проходила уже систематически, методы и система обучения у всех художников-педагогов были едиными, строго соблюдая установившиеся нормы. В школах Древнего Египта обучение рисовать основывалось не на изучения натуры, а на заучивании выработанных правил и канонов. [1, с. 28].
В Древней Греции существовало три ведущих школы, которые имели большое значение в развитие изобразительного искусства — Сикионская, Эфесская и Фиванская. Каждая отличалась индивидуальной методикой обучения, но главным в греческом художественном образовании являлось то, что педагоги стали рассматривать рисование как общеобразовательный предмет, основой которого было рисование с натуры [5, с. 12]. Греческие художники стремились к реальности изображения, для достижения подобного мастерства нужна была хорошая школа рисунка, рисунок был основой изображения.
Как была устроена интерьерная среда в художественных школах можно судить только по сохранившимся иллюстрациям. Учебные классы в художественных школах Древней Греции были устроены в виде полукруга, в центре которого располагалась сцена, посредине сцены устанавливали деревянный помост, ныне именуемый подиумом. На помост ставили натурщика. По периметру сцены располагались ступени, на которые усаживались ученики и рисовали, стоящую посередине сцены натуру.
В рассвет Римской империи так же существовала потребность большого количества художников-ремесленников для оформления жилых помещении, общественных зданий. Методы обучения и характер подготовки художников имели свое отличие от греческих школ. Главным отличием было заинтересованность римлян в ремесленно-технической стороне дела, нежели решать высокие проблемы искусства с помощью науки. Римляне высоко ценили греческих художников, собирали коллекции и строили общественные пинакотеки (галереи). Ценились портреты, которые изображались без всяких прикрас. В большинстве случаев они копировали мастерски творения художников Греции, но все же они не достигли мастерства художников Древней Греции [7, с. 34].
В эпоху средневековья было приостановлено художественное развитие и способствующих дисциплин. Для возрождения изобразительного искусства, нужно было начинать путь с начала, что и дало толчок новому этапу в истории названной — эпохой Возрождения.
Античная культура восхищала и вдохновляла художников эпохи Возрождения, ей поклонялись и брали ее за образец основоположники всех Академий, она помогала в научных исследованиях многим ученым, ее воспевали в стихах поэты. Обучение рисованию проходило в мастерской художника. Мастера набирали небольшое количество учеников, которые тщательно изучали технику и технологию материалов. Занятия было больше направлено на практику и непосредственное общение ученика с художником-педагогом. Самые усердные и преуспевающие в обучении ученики получали от мастера денежную плату.
Художественные мастерские эпохи Возрождения — боттеги — были своеобразными научными лабораториями. Сохранился рисунок, изображающий мастерскую учителя Бенвенутто Челлини — Баччио Бандинелли. Это своего рода научно-художественная лаборатория. С правой стороны рисунка изображен сам Бандинелли, на это указывает крест св. Петра на его груди. Бандинелли что-то объясняет двум своим воспитанникам. Далее две фигуры видимо, его помощники: один что-то показывает, другой следит за рисованием ученика. На полу разложены кости скелета и гипсовые слепки. На полках книги, фигуры и бюсты. Ученики занимаются при светильниках.
XVII век в истории методов обучения рисованию следует рассматривать как период становления рисования как учебного предмета и развития новой педагогической системы преподавания — академической. Самой характерной особенностью этого периода является создание специальных учебных заведений — академий художеств и художественных школ, где было серьезно поставлено преподавание рисунка. Самой прославленной была Болонская академия художеств, основанная Людовико Карраччи и его двоюродными братьями — Агостино и Аннибале. Заслуга братьев Карраччи заключалась в том, что они почувствовали необходимость создания специальных учебных заведений, где молодежь могла бы приобретать нужные знания в области изобразительного искусства.
В Болонской академии велось обучение в мастерских, подобных академии в Риме. Здесь мы видим копии с античных скульптур, которые служили пособиями для рисования и изучения искусства ваяния; человеческий скелет для изучения остеологии и антропометрии; перспективный станок для изучения законов и явлений перспективы; образцы живописного мастерства. Наряду с частными мастерскими и художественными школами, появляются государственные академии. Академии обладали более широкими возможностями оснащения методическим материалом, специального помещения, специального оборудования, что было не под силу отдельным художникам-педагогам.
Начиная с XVIII века художественные академии Франции, Англии, России, Германии переживают свой «золотой век». Обучение в академии способствовало нахождению пути к вершинам искусства, воспитывался художественный вкус, определялся эстетический идеал, совершенствовалась методика преподавания изобразительного искусства и, прежде всего, рисования.
В России с реформами Петра I появилась востребованность в художниках различных специализаций. В 1711 году в типографии организуется школа рисования, где помимо рисования по образцам практикуется рисование с натуры. Рисование начинает широко внедряться как общеобразовательный предмет. Так рисование было включено в число предметов Московской академии (1715), Хирургической школы при Санкт-Петербурге (1716), Кадетском корпусе (1732) [3, с. 98].
В 1758 году по инициативе И. И. Шувалова в Петербурге была основана академия трех знатнейших художеств — живописи, скульптуры и архитектуры, в которой впервые стали серьезно обучать изобразительному искусству русских художников. Начала формироваться новая методика преподавания рисования. В меценатстве Шувалова была ясная, четкая идеология: развить в России науки и искусства и доказать миру, что русские люди, как и другие народы, могут достичь успехов во всем — только создайте им условия!
Занятия рисунком в академии всячески поощрялись. За лучшие учебные рисунки Совет академии выдавал авторам награды — малые и большие серебряные медали. Награждение медалями производилось в актовом зале «при грани труб и литавров» [2].
Для благоприятного развития хорошего эстетического вкуса у учащихся и возбудить интерес к искусствам, Шувалов решил окружить воспитанников блестящими произведениями искусства. Он жертвует академии свое собрание картин и рисунков, а также личную библиотеку. После Шувалова академия сохраняла эту традицию многие годы, и она приносила делу большой успех, воспитывала у учеников чувство глубокого уважения к искусству и к академии. Так, Н. Рамазанов в своих воспоминаниях писал: «Величие здания поразило меня; мне казалось, что в нем обитает святыня, живут полубоги, и полубоги эти — рисуют и пишут красками!».
Академия снабжала учеников всеми необходимыми для работы материалами: бумагой всех сортов, красками, карандашами, холстом, подрамниками, кистями и лаками. В 1760 году по инициативе скульптора Николя-Франсуа Жилле, при академии был организован натурный класс, где серьезное внимание уделялось изучению анатомического строения человеческого тела. Здесь тщательно изучается скелет и «ободранная фигура», как тогда называли анатомический муляж.
Занимались рисованием по вечерам, большей частью при слабом освещении. «Зала натурного класса представляла довольно любопытное зрелище. Она устроена была в виде полукруглого амфитеатра, посередине которого находилось место для натурщика; над ним вырезано пространство, аршина полтора в диаметре, через которое виднелись небеса и звезды — действительная натура. Сверху спущена была люстра, состоящая из железного круга, в форме большого блюда со сделанными по краям углублениями; в круг наливалось конопляное масло, а в углубления вставлялись светильни. Натурщика устанавливал обыкновенно дежурный профессор под самой люстрой; с боков его грело от печей, а сверху продувало. Кто сидел на нижней скамейке, на того с люстры капало масло, брызги летели во все стороны, от чего рисунки нередко портились». [3, с. 17].
Условия работы в таких классах были довольно тяжелые. Президент Академии художеств А. Н. Оленин в своих воспоминаниях писал: «Рисовальные классы, особливо натурный, были совершенно похожи на курень… Освещались они посредством смрадных простых лампад, расположенных рядами на нескольких железных сковородках, над которыми поставлена была широкая железная труба, проведенная сквозь крышу здания, для уменьшения копоти, но вместо того она в большие морозы служила проводником несносного холода прямо на голую натуру и на учеников. Профессоры и учащиеся, пробыв два часа в натурном и гипсовом классах, плевали и сморкали несколько часов сряду одной только копотью» [4, с. 47].
Таким образом, в академиях того времени не сильно заботились об условиях работы учащихся в рисовальных классах, но все же в дальнейшем на законодательном уровне старались обозначить необходимые нормы и правела для оформления учебного пространства. Это способствовало развитию оформления интерьера учебных помещений.
В настоящее время, в дизайне аудиторий художественного профиля, заинтересованы многие учебные учреждения, обучающие основам творческой деятельности. Современные учебные аудитории рисунка и живописи нуждаются в большем внимании к разработке их интерьера. Зонирование аудиторий и их наполнение оказывает большое влияние на учебный процесс и усвоение материала. Для комфортного формирования и развития творческих способностей, необходимо учитывать не только методы и принципы обучения, но и среду в которой учащийся проводит большое количество учебного времени.
Таким образом, рассмотрев художественную систему образования можно увидеть, что тяготение человека к искусству происходит с древних времен. В разные эпохи деятелями искусства разрабатываются и развиваются навыки рисования, а с появлением первых школ принципы и методы обучения, впервые получившие развитие в Древнем Египте и Греции. Обучение искусству, направленное на практические умения будущих художников, активно развивалось и в эпоху Возрождения, Это способствовало появлению специализированных учебных классов по рисунку и живописи, отвечающих разным направлениям в области искусства. В современной жизни интерес к искусству не ослабевает, находя все новые направления, и оказывает помощь в быстром ритме жизни. Поэтому стремление окружить учебное или рабочее пространство удобной и располагающей обстановкой актуально на сегодняшний день. В настоящее время специальные аудитории, вобрав в себя большой опыт истории, проектируются с учетом этих данных, делая условия работы учащихся более благоприятными для освоения дисциплин.
Литература:
1. Алпатов М. В., Ростовцев Н. Н., Искусство: живопись: скульптура: архитектура: графика: Кн. Для учителя. В 3 — ч. Ч. 1. Древний мир. Средние века. Эпоха возрождения/ Составители: М. В. Алпатов и др. — 4 — е издание. — М.: Просвещение, 1987. — 288 с.,ил.
2. Академия художеств [Электронный ресурс] http://www.practicum.org/ (дата обращения 22.07.2015).
3. Васильева А. А. Становление художественного образования в России В XVIII-XIX вв.// Universum: Вестник Герценовского университета. № 10. 2007. С. 98
4. Ростовцев Н. Н. История методов обучения рисованию. Русская и советская школы рисунка.— М., Просвещение, 1982, 240 с.
5. Ростовцев Н. Н., «История методов обучения рисованию» — М.: Просвещение, 1981. — 104с.
6. Шокорова Л. В. Народное декоративно-прикладное искусство в системе художественного образования России. Alma-mater, 2015. № 7. С. 110–113
7. Чистяков П. П. Письма. Записные книжки. Воспоминания. М., 1953. С. 437.
