Образ и артистизм в хореографии



В статье рассматриваются ключевые аспекты визуального и эмоционального выражения в хореографии. Авторы анализируют то, как артистизм помогает создавать художественный образ.

Ключевые слова: хореография, образ, артистизм.

Сегодня как никогда важно обратить особо серьезное внимание на развитие музыкально-артистических способностей в хореографическом коллективе любого направления, начиная с детского возраста. Педагогам-хореографам нужно равное внимание уделять и технике, и артистизму: первое без второго — зарядка, второе без первого — кривляние. Только в этом случае зритель увидит на сцене яркие и понятные сценические образы и характеры.

Ростислав Владимирович Захаров, советский артист балета, балетмейстер, в своей книге «Сочинение танца» даёт следующее определение: «Образ — это конкретный характер человека плюс сумма его отношений к окружающей действительности, проявляющихся в действиях и проступках, которые предопределены действием драматическим. В художественном творчестве образ — явление собирательное, типичное, вымышленное, но вместе с тем взятое из самой гущи жизни. Артистизм — умение говорить со зрителем на языке художественных образов. Артист — это мастер, художник, творящий образ» [1].

Понятие «артистизм» многогранно. В применении к танцу артистизм — это умение наполнять движения осознанностью, содержательностью, «оживлять» их, создавать художественный образ посредством не только костюма, музыки, и хореографии, но и через свои личностные качества. Другими словами, хореографическая лексика должна «пропитываться» чувствами исполнителя — радости, счастья, гордости, гнева и так далее.

Артистичность как свойство личности — это синтез вдохновения, фантазии, способности к мастерству перевоплощения, экспрессии, открытости, искренности, обаянию. Артистичность или, вернее, её зачатки, является врожденным качеством — обратите внимание на детей. Они без стеснения и труда вживаются в образы персонажей своих игр, легко перевоплощаются в принцесс, гонщиков, волшебников. Хотя с возрастом детская непосредственность нивелируется социально-этическими нормами и устоями, но вернуть необходимое, уже во взрослом возрасте, вполне реально.

Обратимся к истории. Первым, кто отступил от отточенной, но холодной техники в танце и прибегнул к яркой образности и артистичности, чем произвел революцию в балете, был один из величайших русских балетмейстеров и педагогов, постановщик Русских сезонов в Париже Михаил Михайлович Фокин.

Если артист правильно понимает смысл и содержание постановки, то танец «оживает», а зритель чувствует эту наполненность и искренне дарит исполнителю овации. Если же перевоплощения не происходит, то публика остаётся равнодушной или, в лучшем случае, отдает должное технике исполнителя.

Допустим, перед зрителем появляется женский или мужской лирический образ. Музыка Пензенской лирической проходочки, движения плавные изысканный рисунок ходов, перемен позиций рук в парных поддержках ли, а лицо... каменное, не выражающее ни-че-го!

Или в глазах читается только волнение от выхода на сцену и желание не забыть следующую танцевальную связку, зритель же, в свою очередь, скучает от увиденного на сцене.

Образ, по сути, несложный — нужно добавить немного эмоций, а именно нежности. Технически также задача простая — всего лишь вспомнить что-то приятное из своей жизни (например, теплый летний вечер, когда ещё только начинает смеркаться и ты прогуливаешься, возможно, по берегу реки, наблюдая блики на речной глади и спокойствие), станцевать это состояние. Но многие чересчур зациклены на заучивании танцевальных комбинаций, абсолютно забывая о подаче и артистизме.

А вот — парная пляска «Матанечка»… Движения артистки энергичные, хореография отточенная, а самое главное — буря эмоций! («Замотал ты мне сердечко и никак не размотать»). Искренность, непосредственность, тут и робость, и потупленные глаза, а затем озорство и смелый разворот, обаятельный взмах воздушным платочком, и блестящий кавалер сражен наповал. Зритель в восторге и громко аплодирует, так как на сцене настоящее качественное повествование истории ухаживания!

Исполнители получают бурные овации благодаря своей артистичности и харизматичной подаче образов.

Как научить «лицо работать» без прохождения курсов актерского мастерства? Это нелегкая задача педагога-хореографа, который на репетициях должен следить не только за грамотностью исполнения элементов и танцевальных движений, но за мимикой и подачей, соответственно. Артистизм и навыки актерского мастерства можно и нужно развивать в детском хореографическом ансамбле и доводить до импровизационного самовыражения.

Существуют различные техники на развитие пантомимических навыков (мимики, жеста, движения).

1. Мимика

Артистизм ярче всего можно проявить через мимику — улыбаясь, удивляясь, выражая испуг. В повседневной жизни каждый человек испытывает и транслирует в мир различные чувства, но делает это на рефлекторном уровне. В сценическом варианте та или иная эмоция предназначена для зрителя, поэтому она должно стать ярче, выразительнее, гротескнее, но самое главное — чувства и состояния должны стать искренними и идти от души.

Предложите участникам вашего коллектива посмотреть на себя в зеркало и «надеть» маску радости, печали, удивления, ужаса, насмешника, презрения в зависимости от фантазий педагога. И обсудить, насколько похоже и у кого это получилось. Или другой прием: дайте индивидуальное задание учащемуся — глядя на себя в зеркало, наморщить лоб, стиснуть зубы, прищуриться, высунуть язык, широко улыбнуться, улыбнуться только губами и т. п. и попросите его определиться с тем, какую эмоцию в итоге он увидел в своём отражении.

2. Жест

Ещё в Шекспировские времена решающую роль в создании реформы в балетном искусстве сыграло искусство пантомимы. Пантомима — это не представление для глухонемых, где жесты заменяют слова. Здесь жест — это одна из выразительных составных частей сценического произведения, смысл которого, независимо от степени условности, должен быть понятен до мельчайших деталей зрителю. Жесты в пантомиме требуют максимального кипения чувств. Выразительность и одухотворенность каждого жеста в танце имеет не меньшее значение

В обычной жизни в наших разговорах руки участвуют повседневно. Редко человеческая речь не дополняется жестикуляцией — вопрошающей, утверждающей, умоляющей, отрицающей и т. п. В обычной жизни в наших разговорах руки участвуют повседневно. Наши руки вместе со словом выражают чувства, переживания, помогая слову наиболее убедительно выражать наши мысли.

Театральный жест служит обычно мостиком между танцевальными эпизодами, поясняя происходящее, помогает дать осязаемый образ и отличается от бытового тем, что он обязан быть чётче, рельефнее, масштабнее. Руки могут быть очень выразительными, «говорящими» от природы, могут быть и «деревянными», малоподвижными и невыразительными. В таком случае руки, как и мимику, надо развивать. Делать это следует на занятиях по классическому и народному танцам, на постановочных занятиях. Если композиция танца строится по законам драматургии, то и каждый выразительный жест должен иметь свое начало, развитие и конец. Только тогда он четко и ясно донесет до зрителей мысль и чувства танцора.

Имея за плечами некоторую профессиональную подготовку, мы займемся созданием живых скульптур с помощью выразительных жестов. Сначала будем создавать скульптуру из одного человека. Половина группы будут «зрителями», а половина «исполнителями». «Зритель» ждет обращенной к нему с помощью жеста эмоции, например, «люблю», «говорю», «кричу», «сержусь», «смеюсь», «поучаю», «радуюсь», «лукавлю», «читаю», «рисую», а «исполнитель», согласно поставленной задаче от педагога, воспроизводит, принимая определенную позу с выразительным жестом, и в течении 10 секунд удерживает для обзора и для дальнейшего обсуждения. Образы для этого могут быть предложены абсолютно разные: «скоморох», «ученый», «растеряша», «мажор», «зритель», «ваятель», «преподаватель».

3. Движение

Как мы уже заметили, в творчестве балетмейстера-хореографа много схожего с творчеством скульптор. Оба создают пластические образы в виде прекрасных выразительных форм. Но произведения скульптора живут в веках, а произведения балетмейстера — лишь сию минуту. Как великие скульпторы наделены даром одухотворения глины, так и истинный балетмейстер всегда сумеет одухотворить любую позу танцора или движение танцевальной художественно скомпонованной им группы человеческой мыслью и чувством.

На следующем этапе мы разделим группу на «ваятелей», «глину» и «зрителей» и попытаемся вылепить группу по интересной и свежей выдумке «ваятеля», группу в порыве дальнейшего движения по задуманному сюжету. Сюжеты также предлагаются педагогом разные: «на свадьбе», «подружки», «на охоте», «во время футбольного матча», «матросы на палубе», «по грибы», «в ливень», «на катке», «шпаргалка на экзамене», «победители» и т. п. Групповая скульптура из «глины» замирает, как кинокадр на 10 секунд, зрители могут сделать фотокадр замершей в порыве дальнейшего движения скульптурной группы для дальнейшего обсуждения.

Главная оценка происходящего в том, что когда скульптура сочинена, зрители должны безошибочно определить её содержание. Композиция должна быть выполнена так, чтобы все ее компоненты — каждая фигура, её ракурс, положение по отношению к другим, руки, ноги, голова, выражение лица, наклон корпуса и т. д. — были тщательно продуманы и отобраны в деталях. Должно возникать единое, органичное по композиции и по соотношению частей действие!

Также важно помнить о принципах, без понимания которых танцор не может до конца передать задуманный постановщиком образ.

1. Внутреннее зеркало

Для развития артистизма и актёрского мастерства важна способность видеть себя со стороны, иными словами, нужно иметь своего рода «внутреннее зеркало». Благо, что во всех школах и студиях хореографии на стенах висят настоящие зеркала, незаменимые для этой цели. Очень важно на репетициях танцевать, как говорят в узких кругах хореографов, «от зеркала» и ощущать себя, свое исполнение, мимику со стороны зрителя. Работая на зеркало, нужно отрабатывать все нюансы номера, включая пластичность исполнения, грамотность выполнения трюков, правильность поставленной хореографии и, конечно же, артистизм. Всеволод Эмильевич Мейерхольд, выдающийся театральный режиссер и актер, вывел закон пластической композиции, то есть зависимости эмоционального состояния от физического. Суть состоит в том, что от положения тела и направленности его движений напрямую.

2. Музыкальность и характер

Педагогам-хореографам по-прежнему важно направлять внимание будущих исполнителей на развитие музыкальности, способности чувствовать эмоциональную выразительность заданной композиции, то есть понимать те ощущения, которые провоцирует в слушателях предложенная музыка. Также следует воспитывать в себе чувство ритма и лада, понимание характера музыкально-хореографического произведения, то есть развивать важнейшие для танцовщиков качества, побуждая их на поиск собственных путей перевоплощения и создания артистических образов. Артистично выразить заданную мелодию, «станцевать» её в заданном постановщиком характере — это ещё один действенный способ развития способностей к перевоплощению и яркой подаче во время выступлений.

3. Импровизация

Зачастую проявиться необходимому на сцене артистизму не даёт возможности застенчивость и неуверенность в себе. Преодолеть эти качества помогает импровизация, другими словами, создание рисунка танца в момент исполнения, мгновенно, неожиданно, без предварительной подготовки.

Театральный режиссер, актер и величайший педагог, Константин Сергеевич Станиславский считал, что если действия актера в роли подлинны, и если они совершенно искренни, выполняются с полной непосредственностью, то они не могут быть точно повторяемы при каждом показе спектакля и, следовательно, содержат в себе импровизацию. Хореографам-педагогам на занятиях имеет смысл постепенно подводить учеников к умению импровизировать. Лишь только путем постоянной наработки навыка импровизации начинающие танцовщики со временем смогут раскрепоститься, обрести уверенность, расширить свой танцевальный запас и, ура, выступать на сцене артистично. Но на занятиях преподавателю следует обязательно проговаривать, что активно работать должно не только физическое тело студента, но и лицо, и душа.

Ещё одно доказательство, что артистизм в полной мере проявляется при исполнении танца экспромтом. По словам великого ученого-физиолога Ивана Петровича Павлова, самый главный человеческий рефлекс — это рефлекс инициативы. Являясь побудителем к каждому действию, этот рефлекс неразрывно связан с психикой и чувствами человека. Инициатива нужна всегда и во всем, ибо она — побудитель к действию.

Желание действовать вызывается мыслью. Так происходит процесс рождения, создания художественного образа в творчестве любого артиста. «Замечательно, когда артист танцует в задуманном психологическом состоянии и транслирует его в зрительный зал, даря публике искусство танца» [4].

Таким образом, выявив все аспекты и построив систему работы по созданию сценического образа и развитию артистизма в танце, можно добиться желаемого результата. Артистами не все рождаются, многие ими постепенно становятся, если есть желание и упорство.

Литература:

1. Добровольская Г. Н. Танец. Пантомима. Балет. — Л.: Искусство, 1975. — 128 стр.
2. Захаров Р. В. Сочинение танца. Страницы педагогического опыта. — М.: Искусство, 1983. — 237 стр.
3. Марченкова А. И. Художественный образ в хореографическом искусстве / А. И. Марченкова, А. Л. Марченков. — Текст: непосредственный // Актуальные задачи педагогики: материалы III Междунар. науч. конф. (г. Чита, февраль 2013 г.). — Чита: Издательство Молодой ученый, 2013.
4. Мессерер А. М. Танец. Мысль. Время. — М.: Искусство, 1990–259 стр.